Nido de caranchos

Si a la fotografía argentina hubiera que ponerle un nombre de mujer, ese sería sin dudas el de Sara Facio, una de las personalidades que más hizo por el surgimiento, el desarrollo y la institucionalización de una disciplina a la que dedicó casi setenta años de trabajo. Fotógrafa, curadora, periodista y editora, destacada por sus retratos de personajes de la cultura latinoamericana y por su labor en la promoción de la fotografía, la artista murió esta tarde, a los 92 años, confirmaron a La Nación desde el entorno familiar y la Fundación María Elena Walsh-Sara Facio. Hace un mes, esa entidad -que cuidaba y administraba el legado de Walsh- incorporó también la obra de Facio. Durante cuarenta años, formaron una pareja de intelectuales brillantes.

Había llamado la atención, en abril, la ausencia de la fotógrafa durante la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, cuando se presentó un volumen con textos de Walsh sobre el feminismo a modo de homenaje. Había estado internada por problemas del corazón. Hoy, tras la noticia de su fallecimiento, la presidenta de la fundación, Graciela García Romero, dijo a La Nación que la artista “se fue apagando de a poco, un proceso natural, de la vejez”. El velatorio será mañana, pero estará reservado a familiares y amigos.

Guardián del pasado literario de Brooklyn y de la generación heredera de Faulkner, el narrador falleció de cáncer en Nueva York tras unos años marcados por la tragedia de la muerte de su nieta y su hijo.

En efecto, este escritor de origen checo, disidente del régimen despótico instalado en su país luego del aplastamiento de la Primavera de Praga por los tanques de la URSS cultivó un estilo en el que el sarcasmo y la ironía fueron la nota característica.

Novelas tales como La broma exhiben cómo el control estatal y la dominación tornan sórdidas e irrespirables las vidas de hombres y mujeres sometidos al poder de la tecnoburocracia.

El movimiento de la Primavera de Praga fue el intento de lo que sus gestores llamaron "socialismo con rostro humano".

Milan Kundera apoyó con entusiasmo esa gesta popular aniquilada por los jerarcas de la URSS que no toleraban la disidencia al capitalismo de Estado.

Kundera fue más conocido por su libro La insoportable levedad del ser que refleja la alienación social, la incomunicación interpersonal, los malentendidos y el absurdo que acechan en la vida cotidiana.

Como se señala en una reseña en la novela La fiesta de la insignificancia "se proyecta luz sobre los problemas más serios sin pronunciar una sola frases seria estar fascinado por realidad del mundo contemporáneo y, a la vez evitar todo realismo.

Milan Kundera, hizo convivir en su libro La inmortalidad nada menos que Hemingway y a Goethe quienes pasean, conversan intensamente y se divierten a su manera.

Con la lectura de las obras de Milan Kundera comprendemos en parte nuestra paradójica vivencia en un mundo, grotesco, tragicómico pero que ha perdido en gran parte el sentido del humor.

Milan Kundera ya no está entre nosotros pero su legado de inconformista, rebelde e iconoclasta nos seguirá acompañando desde las páginas de sus libros plenos de lucidez e irreverencia.

Carlos A. Solero
Miércoles 12 de Mayo de 2023

Este sábado 17 de agosto de 2019 falleció a los 93 años José Martínez Suárez.


Hijo de José Martínez Fernández, quien fuera presidente de la Junta de apoyo a la República Española en la provincia de Santa Fe, y de Rosa Suárez García, maestra que fue homenajeada con la imposición de su nombre a una de las aulas de la Escuela Número 178 “Juan Cañás”, donde se había desempeñado entre 1919 y 1936, Martínez Suárez nació en Villa Cañás, provincia de Santa Fe, el 2 de octubre de 1925.

Josecito, como desde siempre es conocido familiarmente, asistió al cine con fascinación y entusiasmo desde pequeño. El mejor amigo de su padre, el empresario Humberto Bianchi, era el dueño del cine contiguo a su casa. Su ámbito de juegos era el cine vacío y sentía pasión por la cabina de proyección y el aroma a acetato de los restos de película. “Los sábados a la tarde, nos íbamos a la entrada del pueblo para esperar a la chata que traía las copias de películas. Nosotros ayudábamos a subir las películas a la cabina. Y eran películas de gángsters, así que yo me nutrí del género negro, el que más me agrada”, confesó en una entrevista publicada por el diario Clarín el 8 de octubre de 2002.

Sus hermanas, las mellizas Chiquita y Goldie, apenas tenían ocho años y José iba a cumplir diez cuando su padre le dijo a su esposa: “Andá con los chicos a vivir a Rosario. Allá tendrán más oportunidades para estudiar. Yo sigo con la librería acá en Cañás y viajaré los fines de semana para verlos”. Rosa y sus tres hijos se instalaron en Rosario. Todos los sábados los cuatro esperaban a José en la avenida ubicada en la entrada de la ciudad, que era el paso obligado para llegar desde Villa Cañás.


"Mis abuelos eran andaluces. Vinieron de Uleila del Campo, una población campesina de la provincia de Almería. No creo que tuvieran ninguna actividad política. Él era escobillero y mi abuela ama de casa. Mi padre tuvo las primeras nociones de anarquismo trabajando en los galpones del ferrocarril Pacífico durante los años de la Primera Guerra Mundial en el pueblo bonaerense de Arribeños, vecino al límite con la provincia de Santa Fe", nos dijo en una ocasión.

"Recuerde que fue presidente de la Comisión de Ayuda al Pueblo Republicano Español en la provincia de Santa Fe y que por lo menos en un viaje lo acompané en auto a Bs. Aires custodiando camión (o camiones) con lo recolectado", agregó.

"Recuerdo el patio del depósito en el que se entregó la mercadería que consistía en ropa tejida de abrigo, mantsa, colchones, alimentos envasados...", decía José.


Luego de la muerte de su marido, Rosa y los chicos se mudaron a Buenos Aires. En el verano, Goldie, quien ya había adoptado el nombre de Silvia, fue consagrada Reina del Carnaval en los corsos de la Avenida de Mayo. Un año después, salió elegida Mirtha. Las dos lucieron vestidos cosidos y bordados a mano por su madre. Ninguna de las dos pasó inadvertida y cautivaron con su encanto y belleza. Así fue como fueron seducidas para actuar en cine, y de allí se dan, un poco por casualidad, los inicios de José en el ámbito cinematográfico, de la mano de las mellizas, a quienes comenzó a acompañar a los sets de filmación.

“Las acompañaba porque me gustaba ver la cámara, las órdenes, los actores, la toma”, cuenta en una entrevista en la revista “Viva” del 12 de marzo de 2006. Y continúa: “Una vez Goldie estaba filmando una película de noche y como yo estaba ahí me dijeron si quería hacer de extra. Y dije que sí. Me iban a dar cuatro o cinco pesos, estaba contento.” Pero el director, al ver el entusiasmo del chico de camisa a cuadros que ya se “había muerto cuatro veces”, tuvo que pedir por altavoz que “no se muera más”.


Como director realizó cinco películas, en un país que ha sido ingrato con la obra de la mayoría de sus cineastas, pero en especial de quienes pertenecieron a la llamada “Generación del '60”: El crack (1960), Dar la cara (1962), Los chantas (1975), Los muchachos de antes no usaban arsénico (1976) y Noches sin lunas ni soles (1984). Además, realizó el episodio La Salamanca de la película Viaje de una noche de verano (1965), y escribió junto a Gius el guión de La Mary (1974), dirigida por Daniel Tinayre, a quien asistió también en otras películas. Entre colaboraciones, asistencias y otros roles, ha participado en más de cuarenta películas. Sus inicios fueron en los recordados estudios Lumiton, y fue asistente de dirección, entre otros, de Mario Lugones, Manuel Romero, Lucas Demare y Leopoldo Torre Nilsson.


Sus obras generaron una visión original no sólo desde la temática sino también, y principalmente, desde lo estético. Los chantas es una crónica de un grupo de embusteros que sueñan con dar el “gran golpe”; Los muchachos de antes no usaban arsénico, cuya remake estrenó este año Juan José Campanella como El cuento de las comadrejas, es una gran película que en clave de humor negro habla de la Argentina de esos años nefastos; y Noches sin lunas ni soles, un policial con lo mejor del género, una historia “de chorros y policías”, de ese cine que lo apasionó desde pequeño.

Luego suplió la falta de hacer cine, o de dirigir, porque siguió con algunas colaboraciones y produciendo, a partir de la tarea docente que viene llevando a cabo. Formador de cineastas desde hace más de dos décadas, es un reconocido maestro que forma personas íntegramente, en charlas personales que mantiene en su domicilio. Entre sus alumnos pueden resaltarse los nombres de Juan José Campanella o Lucrecia Martel.


Dueño de una memoria prodigiosa y un entusiasmo sin límites, José lograba contagiar sus obsesiones y enseñanzas a todos los que lo rodean. Era imposible mantenerse indiferente ante su figura, y mucho menos ante su obra, pero quienes lo conocimos lo admiramos con intensa devoción. Casi como la que él tenía por Jorge Luis Borges, de quien era ávido lector.

Últimamente había recibido numerosas distinciones y reconocimientos en torno a su trayectoria y su obra, y seguía al frente del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, en el que demostraba no sólo su carisma, sino su plena vigencia intelectual, su eficacia profesional, ética y honestidad.

En lo personal, recuerdo haberlo conocido hace muchos años, apenas egresado del ENERC, cuando asistí a su taller particular en la casa de la Av. Coronel Díaz. Compartimos amistad y viajes, momentos de cine, chicanas futboleras, pasiones de todo tipo y hasta vino a mi casamiento con Eugenia. Lloré su muerte como pocas, me duele saber que no estará para saber de su buen humor constante. Me alegra que haya vivido tanto y tan bien. ¡Hasta siempre, José!

Emiliano Penelas

El autor, considerado uno de los más influyentes de su generación. G., Siempre bienvenidos o Modos de ver son algunas de sus obras más conocidas.



El escritor, pintor, ensayista y poeta John Berger falleció este lunes a los 90 años en Antony (París), según confirmó la directora literaria de Alfaguara, María Fasce, a El País, tras hablar con una nieta del autor en Francia, quien afirmó: "Il est parti" (Partió).

John Berger era un experto en desapariciones. Toda su obra literaria es el testimonio de alguien que contempla un universo que se desvanece ante sus ojos, ya se trate de la gran pintura europea o de la vida en los pequeños pueblos de la Europa rural. Berger se formó como artista plástico pero se consagró como teórico cuando convirtió en un libro mítico —Modos de ver— una serie emitida en 1972 por la BBC. Lejos de cualquier análisis esotérico, aquel ensayo ilustrado demostró que se podría mantener la fascinación por un cuadro incluso después de rastrear las condiciones materiales en que fue encargado, pintado y expuesto.

El creador británico fue también poeta, guionista de cine, dramaturgo y colaborador de El País. El diario The Guardian lo definía recientemente como "uno de los escritores más influyentes de su generación". Nacido en Londres en 1926, entre sus obras más conocidas están El cuaderno de Bento, Con la esperanza entre los dientes, Siempre bienvenidos, The Seventh Man, Hacia la boda, Puerca tierra y Una vez en Europa. Y Alfaguara editó hace pocos meses Rondó para Beverly, un homenaje que el autor escribió junto con su hijo Yves para su esposa, fallecida en 2013. En julio de 2006, escribió un artículo titulado En defensa del pueblo palestino, junto con Noam Chomsky, Harold Pinter y José Saramago.

Tirando de los hilos que Walter Benjamin dejó lanzados en los años treinta, Berger demostró que el marxismo seguía siendo útil como herramienta de análisis cultural. De paso puso de manifiesto que, en manos de un genio, el arte nacido como propaganda —al servicio de un Papa, un rey o un noble— también puede convertirse en una vía de liberación. De eso, pero aplicado al siglo XX, trataba también su primera novela: Un pintor de nuestro tiempo (1958), que daba voz a un artista húngaro exiliado en Londres.

Guionista de varias películas de Alain Tanner, entre ellas Jonás, que cumplirá los 25 años en el año 2000, Berger se consagró como novelista al mismo tiempo que como divulgador del arte. En el mismo 1972 publicó G., una particular versión de los viajes de Casanova que se alzó con el Booker, cuya dotación el escritor compartió con los Panteras Negras. Aquella novela contenía toda una poética literaria que rompía con la narración lineal decimonónica y llenaba sus historias de voces que se superponían y contradecían. Ese es el muy reconocible tono Berger, que alcanzó su máxima cota en De sus fatigas, una trilogía que está entre lo mejor de la literatura universal de finales del siglo XX. Formada por dos libros de cuentos —Puerca tierra y Una vez en Europa— y una novela —Lila y Flag— que retratan la desaparición de la vida rural y el trasvase de los campesinos a las grandes ciudades. Berger vivía en un pueblo de la Alta Saboya francesa y las vidas de sus vecinos, con sus grandezas y mezquindades, podían tocarse en páginas que recuperan la fuerza de la oralidad tradicional sin maquillar la dureza de una vida ganada con las manos.

En 1995, cuando era reivindicado por los indignados del momento y, a la vez, reclamado como experto en los principales museos del mundo —el Prado entre ellos—, el escritor británico dio otra vuelta de tuerca a su obra literaria narrando una historia de amor en los tiempos del Sida: Hacia la boda. Esta vez los derechos de autor de aquel viaje por el viejo continente camino de unos esponsales estaban destinados a los comités de lucha contra el Sida de cada país en que se publicó. Ya fueran enfermos, campesinos, mendigos o inmigrantes, los desheredados de la tierra estuvieron siempre en el centro de la obra de John Berger, que llegó a escribir una novela —King— desde el punto de vista de un perro callejero. Nunca dejó de dibujar, de viajar en moto ni de escribir poemas. Fue el puente entre la gente de a pie y los grandes maestros de la pintura occidental. También la voz de los seres más frágiles, residuos del mundo moderno a los que su obra otorgó una dignidad de reyes.

Diario El País, Madrid
Lunes 2 de enero de 2017

Hermosa versión de "In my life", de Los Beatles, recitada por Sean Connery y producida por George Martin, fallecido el 8 de marzo a los 90 años.

Se han cerrado para siempre a los ochenta y cuatro años los ojos del gran director de cine italiano Ettore Scola.


La noticia nos conmueve. Cómo haremos para acostumbrarnos a saber que ya no está en este mundo el creador de Nos habíamos amando tanto, La familia, El baile y tantas otras películas extraordinarias.

Ettore Scola, un símbolo de una mirada y una concepción sensible de la vida en un planeta en el que reinan las mercancías aniquilando los nobles sentimientos.

Scola sabía manejar con su gigantesco talento las voces y los silencios, las miradas, las llegadas y las partidas, la ironía y la solidaridad.

Nos habíamos amado tanto es una parábola de la vida y sus avatares, la Segunda Guerra Mundial y un grupo de partisanos antifascistas, se reencuentran décadas después. El otrora líder del grupo Gianni Perego interpretado por Vittorio Gassman devenido abogado laboralista de izquierda termina casándose con la hija de un crápuloso empresario de la construcción. El personaje Nino Manfredi se transforma en enfermero y forma pareja y engendra hijos con su antigua camarada de lucha, encarnada por la actriz Stefania Sandrelli. Stefano satta Flores, es un maestro anarquista residente en un pueblo conservador y reaccionario del que casi expulsado. Los amigos de la etapa partisana no pueden creer que el antiguo y solidario Gianni se haya convertido en un burgués engreído. Ellos siguen fieles a su inquebrantable amistad, Gianni los ignora. Ettore Scola, muestra cómo según pasan los nosostros los de entonces continuamos siendo los mismos en lo esencial y otras personas se adaptan al mundo de la codicia y la miseria moral.

Ettore Scola nació en Trevico, Provincia de Avellino, Italia, el 10 de mayo de 1931 y murió en la ciudad de Roma, Italia, el 19 de enero de 2016. Realizó estudios de Derecho en la Universidad de Roma, durante los años cincuenta.

En su extensa filmografía es posible mencionar: Se permettete parliamo di donne (1964), Thrilling (1965) - episodio Il victimista, El millón de dólares (La congiuntura) (1965), El diablo enamorado (L'arcidiavolo) (1966), Riusciranno i nostri eroi a ritrovare l'amico misteriosamente scomparso in Africa? (1968), El comisario y la proxeneta (Il commissario Pepe) (1969), El demonio de los celos (Dramma della gelosia - tutti i particolari in cronaca) (1970), Un italiano en Chicago (Permette? Rocco Papaleo) (1971), Festival dell'Unità 1972 (1972) – documental, La più bella serata della mia vita (1972), Trevico-Torino - Viaggio nel Fiat-Nam (1973), Festival dell'Unità 72 (1973) – documental, Nos habíamos amado tanto (C'eravamo tanto amati) (1974), Carosello per la campagna referendaria sul divorzio (1975) – documental, Feos, sucios y malos (Brutti, sporchi e cattivi) (1976), Un día muy particular (Una giornata particolare) (1977), Los nuevos monstruos (I nuovi mostri) (1977), Buenas noches, señoras y señores (Signore e signori, buonanotte) (1978), La terraza (La terrazza) (1980), Entre el amor y la muerte (Passione d'amore) (1981),Vorrei che volo (1982) – documental, Il mondo nuovo (1982), La noche de Varennes (La nuit de Varennes) (1982), El baile (Ballando ballando) (1983), L'addio a Enrico Berlinguer (1984) – documental, Maccheroni (1985), La familia (La famiglia) (1987), Splendor (1989), Che ora è? (1989), Letras desde Palestina (Lettere dalla Palestina) (2002) – documental, Gente de Roma (Gente di Roma) (2003) y Qué extraño llamarse Federico (2013).

Carlos A. Solero

David Bowie murió hoy a los 69 años.

El director de fotografía de El francotirador, Blow Out y Encuentros cercanos del tercer tipo, entre otras, falleció el 1 de enero en Estados Unidos. Tenía 85 años.

A los 48 años, murió Person, baterista y cantante de Súper Ratones.


Esta mañana se conoció la triste noticia del fallecimiento de José Luis "Person" Properzi, cantante, compositor y baterista de Súper Ratones, banda que formó a los 17 años, comenzando en 1985.

El domingo 24 encontraron muerto en su casa a Adrián Nievas, ex cantante de Adicta. Te vamos a extrañar, Toto.

Hoy se fue el escritor uruguayo Eduardo Galeano, quien frecuentaba el Café Brasilero, uno de los íconos de su amada Montevideo, y en particular una mesa junto a la ventana, donde sus retratos lo recordarán por siempre.

Galeano nació en Montevideo el 3 de setiembre de 1940. Narrador, periodista y ensayista, se inició en el periodismo como caricaturista y cronista. Muy joven se desempeñó como secretario de El Sol y Marcha y fue director de Época.

Cada vez más interesado en la situación política contemporánea, en ese período dio a conocer en volumen China 1964, Crónica de un desafío (1964), Guatemala, clave de Latinoamérica (1967) y Reportajes (1967).

También publicó una breve novela –Los días siguientes- y un libro de cuentos –Los fantasmas del día del león- en cuyas páginas construyó atmósferas ambiguas, realidades y ámbitos cercanos y reconocibles y conflictos diversos estructurados bajo la influencia de la ficción norteamericana contemporánea, César Pavese y Juan Carlos Onetti, entre otros.

Su concisa y diestra escritura periodística se complementó con un más flexible y libre despliegue en su narrativa.

Otros tres títulos, conectados directamente al enfoque político,Siete imágenes de Bolivia (1971), Violencia y enajenación y Crónicas latinoamericanas, estuvieron precedidos por su ensayo más célebre y ambicioso, a medio camino entre la historia y el periodismo, Las venas abiertas de América Latina, reeditado y traducido a cerca de 20 idiomas, admirado, aplaudido, controvertido y atacado, de gran incidencia en vastos sectores sociales del continente.

Los cuentos de Vagamundo afianzaron su capacidad imaginativa y canalizaron una línea característica de su literatura en la que se conjugan la historia, el mito y la leyenda.

En esa misma dirección quedó orientada La canción de nosotros (premio Casa de las Américas, 1975), un testimonio que se desarrolla con una fuerte carga simbólica.

En 1973, se exilió en Buenos Aires donde fundó y dirigió la revista Crisis durante sus 40 primeros números. Después, cuando la represión en Argentina no le dejó margen, pasó a residir en España en 1976.

Uno de los más importantes cineastas y teóricos contemporáneo, Harun Farocki, falleció el miércoles a los 70 años. En 2011 el Cineclub La Rosa había hecho una retrospectiva de sus films, y el año pasado visitó la Argentina para dar una serie de conferencias y exponer sus instalaciones audiovisuales.

Los muertos fueron, durante muchos años, un tema recurrente de la fotografía. Última ocasión de retratar al ser querido, y momento de inmortalizarlo en un objeto imperecedero hicieron que familiares y deudos buscaran a los fotógrafos para este momento decisivo. Aquí, algunos ejemplos del historiador Abel Alexander.

Había nacido como Olga Adela Zubarriain en Parque de los Patricios en 1930, y comenzó a trabajar en cine a los 13 años, y a los 16 protagonizó el primer desnudo (en realidad era solo su espalda) del cine argentino en El ángel desnudo (1946), de Carlos Hugo Christensen .

Con 105 años, falleció este fotógrafo que trajo al país las vanguardias de Europa y reflejó a Buenos Aires y sus personajes como sólo los grandes saben hacerlo.



Horacio Cóppola es un símbolo de la fotografía argentina contemporánea. Su gran longevidad hizo que se mantuviera vigente en la escena artística local incluso en los comienzos de este convulsionado siglo XXI. Hacía ya muchos años que estaba retirado en su departamento de la calle Esmeralda; pero los homenajes se sucedieron sin pausa hasta la gran muestra, en honor a sus 100 años que tuvo lugar en el Malba en 2006.



El marchand y coleccionista Jorge Mara fue uno de los grandes impulsores de la obra de Horacio durante los últimos años. Gracias a esa inmensa tarea de investigación y divulgación es que el público en general conoce su increíble trayectoria.



Horacio Cóppla era más que nada, un hombre que reía. Su hermano mayor, a quién veneraba, lo introdujo en la pasión por la fotografía. Su temprana decisión de estudiar en la célebre escuela Bauhaus de Weimar influyó decisivamente no solamente es su camino como fotógrafo, y en su vida personal (en Alemania conoció a su primera esposa, la gran fotógrafa Grete Stern), si no también en el curso de la fotografía argentina contemporánea.


En los años 30 y 40 Horacio Cóppola era en el ambiente fotográfico de Buenos Aires un profesional inclasificable. Tenía la vocación y el espíritu innovador de un artista, y todas sus amistades estaban más relacionadas con ese mundo que con el cerrado círculo de las asociaciones de fotógrafos aficionados de la época. Tal vez el mejor ejemplo de su irreverencia fue su más celebrado reportaje: una visión desapegada y espontánea de la ciudad de Buenos Aires en la década del 30. Visión iluminada por el uso de una técnica novedosa para la época (el uso de las cámaras de pequeño formato) y una visión estética moderna; pero fundamentalmente por la influencia literaria de sus amigos Jorge Luis Borges y Leopoldo Marechal.

Desde la muerte de su última esposa Raquel Palomeque en 2004, Horacio hizo efectivo su retiro no solo de la fotografía, si no también de la memoria. Se convirtió en un anciano afable y bien dispuesto qué sonreía con la ingenuidad de un niño y colaboraba con la tarea de sus más queridos allegados en la difusión de su extensa obra.

Hace tres años lo visité en su casa por última vez. Fuimos con Ignacio Colo (de la redacción de LN) y el fotógrafo inglés Martín Parr, que quería conocerlo. Mientras tomábamos el té, Horacio desplegó sus álbumes de fotos y los miraba como si fuera la primera vez. Al tiempo que se sorprendía maravillado, cuando le decíamos que él mismo había tomado esas fotos hacía tantos años, nos explicaba con lujo de detalles las relaciones internas de composición de esas imágenes que, aparentemente, le resultaban desconocidas.

Su sonrisa agradecida se ensombreció cuando al pasar de las páginas se detuvo en un retrato de su esposa Raquel. En ese momento de inesperada congoja, un recuerdo involuntario se asomó a la desapegada contemplación del artista. Casi inmediatamente recuperó la alegría y continuó sus pequeños descubrimientos recorriendo cada una de sus fotos más logradas. Instantes después, se acercó a la ventana del living, sobre la calle Esmeralda. Le pregunté que lo hacía feliz. Se dio la vuelta hacia mi, y respondió: "Ver".

Daniel Merle
Diario La Nación

Ray Bradbury, autor de Fahrenheit 451 y Crónicas marcianas, entre otros, murió en Los Ángeles a los 91 años.
Ray Bradbury, uno de los más prolíficos autores y referentes del mundo de la ciencia ficción, falleció hoy a los 91 años en la ciudad de Los Ángeles, donde residía desde hacía más de medio siglo. Había nacido el 22 de agosto de 1920 en Waukegan, Illinois, Estados Unidos.

Fue un niño extraordinariamente imaginativo y proclive a sufrir pesadillas y fantasías aterrorizadoras, que posteriormente desarrolló en sus escritos. A los doce años empezó a escribir cuatro horas diarias. Vendió su primer relato en 1941 y en 1943 se dedicó plenamente a la literatura. Crónicas marcianas (1950), una novela sobre la colonización y conquista de Marte, que le dio la fama y consolidó su posición como principal autor de ficción científica.

Allí refleja muchos de los temores presentes en la sociedad estadounidense de los años cincuenta, principalmente el miedo a una guerra nuclear, el deseo de llevar una vida sencilla y la reacción contra el racismo y la censura.

Defensor de los libros y las bibliotecas, Bradbury escribió luego Fahrenheit 451, otro de los hitos de su producción literaria, y en donde deja presente su visión humanista, y el sentido del ser humano en medio del universo.

Bradbury escribió también poesía, obras de teatro y guiones cinematográficos. Su obra sirvió también de influencia a otros escritores, artistas, profesores y científicos.