Nido de caranchos

La novela juvenil El misterio del profesor ausente, de Germán Cáceres, con dibujos de Mauro Vargas, acaba de ser editada por "Del Naranjo".

Desde hoy, en el cine Gaumont, Historias Breves 8, serie de cortometrajes producidos por el INCAA.



Los cortos que integran esta nueva edición son: El olvido (Fermín Rivera, con Nicolás Scarpino y fotografía de Emiliano Penelas), De como Hipólito Vázquez encontró magia donde no buscaba (Matías Rubio), Vida nueva (Lucas Santa Ana), El ramal (Mena Duarte), El desafío (Andrés Ernesto Arduin), Superficies (Martín Aliaga), Liebre 105 (Sebastián y Federico Rotstein), El conductor (Maximiliano Torres) y Cuestión de té (María Monserrat Echevarría).

A poco de comenzar una nueva edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata que él dirige, de cumplir sus jóvenes y vitales 88 años y de la presentación de un libro sobre su figura, el Cineclub La Rosa comienza un ciclo en el que repasa todos los largometrajes de José A. Martínez Suárez. Será con entrada libre y colaboración voluntaria en Austria 2154.


UN HOMBRE HECHO DE CINE
José Martínez Suárez nació en la Prov. de Santa Fe. Más exactamente, en Villa Cañás, “un pueblo agrícola-ganadero, pampa gringa e hispana”, como le gusta definirlo.

Y fue en su Villa Cañás, con la complicidad de una sala a oscuras y una pantalla blanca delante, donde el celuloide se metió en su sangre.

Los Martínez Suárez vivían enfrente de una de las tres salas cinematográficas que había en el pueblo, y ese era su ámbito preferido y natural de juegos. Una época en la que -como él mismo recuerda- las películas no se elegían. Uno iba al cine. Pero no sólo en su pueblo. En todo el país ocurría lo mismo. La gente iba al cine. Se preparaba, se vestía para ir al cine. Algo cercano a un ritual.



Ese pibe se hizo adolescente y ya en Buenos Aires, junto a su madre y sus hermanas, que hacían sus pininos como actrices, entró un día, cándido, discreto y temeroso a un estudio cinematográfico. A partir de entonces, pedía, insistía, imploraba que le permitieran acompañarlas porque eso significaba el pasaporte para poder estar en un set y ver todo por dentro.

Fue así como comenzó a oficiar de “oyente” en Lumiton. Posteriormente trabajó mucho como asistente de Mario Lugones, para continuar con otros realizadores, que como él mismo asegura “fueron maestros todos, de una u otra forma”. La sola enunciación de esos nombres hace que de ninguna manera podamos desmentirlo: Manuel Romero, Carlos Hugo Christensen, Carlos Borcosque, Daniel Tinayre, Kurt Land, Enrique Cahen Salaberry, Augusto César Vatteone, Antonio Ber Ciani, Leopoldo Torre Nilsson.

Pero José Martínez Suárez era un director predestinado. En una palabra: un director nato. Su vocación había atravesado por andariveles diversos dentro del cine pero su destino estaba signado: tenía que dirigir. Y un día irrumpió con una curiosidad:El crack, una película popular que, sin embargo, se sumergía en una realidad social que denunciaba zonas de miseria de una pasión argentina: el futbol. Vino despuésDar la cara, considerada al igual que otras expresiones surgidas para la misma época, como típicamente representativa de lo que los historiadores denominaron “Nuevo Cine Argentino”, hasta que alguien se dio cuenta de que cada tanto, inevitablemente hay un Nuevo Cine Argentino y optaron por caraturarlo como “la generación del 60”. Un movimiento que se inició con los cortometrajistas independientes de finales de los cincuenta y culminó en 1966, con el golpe de estado de ese año, que modificó las reglas del juego y puso fin a una etapa cultural, recomenzada luego bajo otro signo: el de la producción clandestina y la irrupción de nuevos realizadores.

La Generación del 60 tuvo una vida efímera, es verdad, pero dejó sentada una estética no transitada hasta allí por el cine argentino: un nuevo cauce expresivo sustentado fundamentalmente sobre el flanco crítico y la reflexión acerca de la época y sus relaciones con la gente. Y así, sin tener conciencia y junto a Manuel Antín, Lautaro Murúa, Simón Feldman, Enrique Dawi, Rodolfo Kuhn, Ricardo Alventosa y David Kohon, entre otros, José pasó a formar parte de aquel movimiento innovador.

El director siguió filmando: el episodio La salamanca de Viaje de una noche de verano(denostada por el mismo realizador, lo cual renueva inevitablemente el interés por su visión);Los chantas, donde un grupo de perdedores -muy al estilo de Los desconocidos de siempre de Mario Monicelli- prepara un gran golpe que, sin duda, terminará en fracaso; Los muchachos de antes no usaban arsénico, inevitable referencia de inquietante humor negro en el cine argentino, con un diálogo brillante y pocos medios, mucha técnica (Tito Ribero y Miguel Rodríguez incluidos) y gran imaginación. Hasta llegar a Noches sin lunas ni soles, calificada por Edgardo Cozarinsky como “El mejor film noir argentino”.

Pero José tenía “de nascencia”, como dicen en España, la certeza de que estaba ligado a un deber. Y que serían pocos los años de una vida, por larga que fuera, para cumplir con él. Ese deber era la docencia. Trabajar a diario con los jóvenes, y siempre, encendido de amor a esta profesión, seguir filmando a través de ellos. Darles no sólo formación técnica sino insuflarlos de una posición humanística. Despojarlos de la vanidad, de la envidia. Que sean buenas personas. Porque esa, en definitiva, es la función última y más elevada de un maestro. Desde que la decisión fue tomada, la docencia pasó a ser para José una forma más de dar y transmitir que de enseñar. Y para los que fuimos y somos sus alumnos, sus clases implican un pleno regocijo para el espíritu, por todo lo que sabe, por todo lo que dice, por lo que no dice, por su humor indeclinable, por sus chispeantes ocurrencias: en definitiva, por todo lo que da siempre en forma generosa y solidaria. Y dar como lo hace José Martínez Suárez no es poco en esta época de prevalencia del egoísmo y la individualidad.

En esos encuentros de vida, José se nos aparece algunas veces enigmático, otras cabrón, otras reflexivo, otras sutil, a veces incisivo, pero joven siempre. Tanto, como para asumir desde 2008 la presidencia del Festival de Mar del Plata y no para que su nombre “adorne” ese acontecimiento cinematográfico sino para erigirse en mucho más que el presidente de un Festival, es decir, para constituirse en un hombre que está en todo, arregla todo y da la cara por todo.

El último lunes subimos, en precioso vinilo, este tema de los Boomtown Rats, que tiene su origen en una tragedia escolar que coincidó con una visita de Bob Geldof y sus muchachos a los Estados Unidos, y que inspiró su hit más trascendente.



El lunes 29 de enero de 1979, Brenda Ann Spencer decidió arremeter a los tiros contra los compañeros de su escuela secundaria en San Diego, California. Con el rifle que su padre la había regalado para Navidad, Brenda hirió a ocho niños y a un oficial de policía, y asesinó al director de la Cleveland Elementary School y al conserje.

Cuando seis horas después del hecho fue detenida y le preguntaron por qué lo había hecho, la chica simplemente respondió "No me gustan los lunes. Sólo lo hice para animarme el día. No tengo ninguna razón más, sólo fue por divertirme, vi a los niños como patos que andaban por una charca y un rebaño de vacas rodeándolos, blancos fáciles".


Mientras la noticia recorría el país, los irlandeses Boomtown Rats estaban de gira por los Estados Unidos y se sorprendieron ante las declaraciones de Brenda, y ante el absurdo de éstas decidieron darle forma a "I don't like mondays", su canción más célebre que incluyeron en The fine art of surfacing (1979).

El tema llegó al primer puesto de los rankings británicos, pero no pasó lo mismo en los Estados Unidos, donde sensibilizados con la tragedia incluso muchos pedían para que no se pasara el tema por las radios.

Brenda Spencer recibió una condena a 25 años y perpetuidad, y aún sigue en prisión, tras habérsele sido denegada en varias ocasiones la libertad condicional.

La humanidad es plaga, no hay duda, y va a terminar con todo. Y quizás el turismo es la punta de lanza de la destrucción final. Así lo entendió el inglés Martin Parr a través de su mirada irónica.

De: Carole Fréchette. Por el Grupo “Los Pliegues”. Actores: Dana Basso y Lisandro Penelas. Dirección: Darío Luchetta. Música: Miguel Gomiz. Asistencia: Lucía Ortiz. Agradecimientos: Silvina Katz. Todos los sábados de setiembre 2013 a las 21 horas en el Espacio Cultural del Sur, Caseros 1750, Barracas, CABA. Entrada gratuita / A la gorra.


El teatro, como la prosa, pueden ser poéticos y tal es el propósito de esta notable obra de la consagrada dramaturga Carole Fréchette (Montreal, 1949).

La trama no podía ser más sencilla, es casi inexistente: una mujer y un hombre –acompañados por la música de un cellista-, en sus encuentros azarosos revelan sus respectivas historias de amor. También emprenden monólogos y hasta dialogan con los espectadores y se mezclan entre ellos. Aparentemente no habría conflicto y, sin embargo, está presente el gran dilema del ser humano: la juventud que se va para ser reemplazada por la vejez y el final inevitable, como si se replicara dramáticamente la famosa copla de Jorge Manrique: “cómo se pasa la vida, /cómo se viene la muerte /tan callando”.

Se aborda también el hastío de la existencia, la falta de acontecimientos estimulantes. ¿Qué hacer ante tanta angustia y desesperación? ¿Cómo superar esta insoportable frustración? La receta es imaginar, soñarse a sí mismo como protagonista de recuerdos amorosos o sensuales formidables, ya que se los debe adosar de peripecias enriquecedoras, convirtiéndolos en sucesos casi mágicos. Y si se agotan hay que pedir ayuda a amigos y conocidos para que confiesen sus propios recuerdos y apoderarse de ellos. La más hermosa evocación de Elisa pertenece a la etapa vivida con Sigfrido –todos los amores que se convocan son efímeros -, que perforó el techo de la casa para que ella pudiera contemplar permanentemente el cielo. La escritora canadiense parece coincidir con otro poeta español, el romántico Gustavo Adolfo Bécquer: “-Yo soy un sueño, un imposible, /vano fantasma de nieblas y luz, / soy incorpórea, soy intangible/ no puedo amarte. -¡Oh ven, ven tu!”


Estas invocaciones a la pasión y al amor que trastornan, al deseo que es a la vez escalofrío y fuego, están volcadas en diálogos bellos, plenos de imágenes y metáforas, un regalo para la sensibilidad.

Con tanto despojamiento –la escenografía se compone de una simple mesa y dos sillas- representar La piel de Elisa exige un equipo de fuste, y el Grupo “Los Pliegues” responde a ese requerimiento. Dana Basso y Lisandro Penelas interpretan a sus personajes en cuerpo y alma. Se mueven en la escena –que incluye la platea- con soltura y profesionalismo y fortalecen, así, el ritmo escénico. Su dicción es impecable y la modulación de sus voces un logro que demuestra el duro trabajo de los ensayos. La música de Miguel Gomiz responde con calidad y exquisita delicadeza a las exigencias de la pieza. La dirección de Darío Luchetta -con la asistencia de Lucía Ortiz-, supo aprovechar las virtudes del elenco y del músico, logrando hacer de esta puesta una lección de teatro.

Una obra imperdible: ¡atención que sólo habrá funciones los sábados de setiembre!

Germán Cáceres

I don't like mondays
The Boomtown Rats

Antiguo procedimiento fotográfico con el que se conseguía una copia en color azul utilizando Citrato de amonio y hierro y Ferrocianuro de potasio. Aquí, una copia propiedad del historiador Abel Alexander.