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Tim Burton también está cumpliendo 50 años. Admirado y reconocido, el creador de películas clásicas como "El joven manos de tijeras", "El extraño mundo de Jack", "Batman" y "Ed Wood", ha afianzado su personalísimo sello visual. Aquí una buena reseña del diario La Tercera, de Chile.

Su infancia y juventud ya pertenecen a la leyenda popular. Esa que dice que a falta de amigos y popularidad, Tim Burton se recluyó en el dibujo y afinó su gusto por las películas de terror góticas. Y que luego de ingresar a los estudios Disney como dibujante, dormía horas bajo su escritorio y creaba extraños personajes. Y que por no saber qué hacer con él, el estudio le aceptó financiarle unos cortos donde aparecía el legendario actor Vincent Price, o un perro que regresa desde el más allá.

Creador de alguna de las imágenes más reconocibles de las últimas dos décadas, y por sobre todo, de un sello visual que no admite ni dudas ni imitadores, Tim Burton, ya es un sello en sí mismo que refleja el reverso tenebroso del Hollywood más común, y es el creador de un universo propio repleto de figuras atormentadas y parajes sombríos.

Nacido en Burbank (California), muy cerca del cementerio Valhalla y apenas a 20 minutos de la meca del cine, Burton desarrolló el gusto por lo macabro desde que pasara su infancia viendo las películas de terror de bajo presupuesto de aquella época, como las películas del estudio Universal.

De ahí surgió su pasión por la filmografía de Vincent Price, genio del género, de profunda y fantasmagórica voz, a quien homenajeó en el corto "Vincent" (1982), tras ingresar en el Instituto de las Artes de California, desde donde comenzó a trabajar para Disney como animador.

La suerte se alió con el realizador años después, cuando el extravagante comediante Paul Reubens vio el cortometraje "Frankenweenie" (1984) y decidió que Burton era el tipo ideal para dirigir una película sobre el popular personaje Pee-Wee Herman.

Así nació "La gran aventura de Pee-Wee", éxito de taquilla en EEUU (40 millones de dólares recaudados en EEUU), la primera colaboración entre Burton y el compositor Danny Elfman, con quien ha trabajado en todas sus películas excepto en "Ed Wood" y "Sweeney Todd", y la cinta que convenció a los ejecutivos de que Burton podría manejar amplios presupuestos.
La tendencia a rodearse de un equipo familiar ha sido una constante para el director, que cuenta con Michael Keaton y, muy especialmente, con Johnny Depp -seis colaboraciones- y Helena Bonham Carter -cinco- entre sus actores predilectos.

Freaks y homenajes

Con Keaton rodó tres éxitos rotundos: la comedia excéntrica "Beetlejuice", que inició el idilio de Burton con la Academia de Hollywood -Premio Oscar al mejor maquillaje-, "Batman" (1989), uno de los mayores éxitos de la historia, con Jack Nicholson en el papel del Guasón, y "Batman Returns" (1992), a la que dio un toque mucho más oscuro y dramático.

Burton, entre esas dos cintas del hombre murciélago, creó "El joven manos de tijeras" (1991), un film, interpretado por muchos como la biografía de la infancia del director, donde entregó a Vincent Price un pequeño pero emocionante homenaje justo antes de su muerte, y en el que dio a Johnny Depp uno de sus primeros papeles protagonistas.

Sus mejores momentos vinieron justamente en este periodo, cuando Burton se hizo cargo de la producción de la notable "El extraño mundo de Jack" (1993, que dirigió su socio Henry Selick), una joya de la animación stopmotion que resumió su gusto por el terror clásico, y un año después, su obra maestra absoluta, "Ed Wood", suerte de homenaje al que se considera el peor cineasta de todos los tiempos, que en manos de Burton se convirtió en una extraordinaria reflexión sobre la creación artística y la fidelidad, y fue la primera cinta que permitió descubir a un cineasta de gran profundidad más allá de su universo restringido a su cinefilia de infancia. Con "Ed Wood", su coprotagonista Martin Landau, en el crepuscular rol de Bela Lugosi, se llevó un merecido Oscar.

Resurrección y madurez

Después de la delirante "Marcianos al ataque" (1996), que parodiaba tanto las cintas de ciencia ficción clase B como los filmes de desastres en las que Hollywood reunía a todo un desfile de estrellas, Burton volvió al terror gótico y se reivindicó con "La leyenda del jinete sin cabeza" (1999), donde adaptó un cuento del siglo XIX con gran brillantez formal.

Ya aceptado por Hollywood, Burton se llenó de confianza para intentar una empresa dudosa y claramente ajena a sus intereses: el remake de la popular "El planeta de los simios" (2001), la que naufragó totalmente y le dio su primer fracaso. Pero durante el rodaje conoció a la actriz inglesa Helena Bonham Carter, con quien lleva siete años de relación y tiene dos hijos: Billy-Ray, de cuatro años, y Nell, nacido en diciembre de 2007.

Luego, Burton realizó en "El Gran pez" (2003) una emotiva e inteligente cinta sobre los desajustes familiares, con reflexión y sobriedad aunque con parte de sus imágenes habituales. Para luego emprenderlas con el clásico infantil "Charlie y la fábrica de chocolate" (2005), otra variante a sus clásicos personajes que les cuesta madurar y prefieren recluirse en un mundo de fantasía. "La novia cadáver" (2005) -candidatura al Oscar al mejor filme animado-, retomó la senda de "El extraño mundo de Jack" y sus narraciones góticas, en una especie de variante femenina de "El joven manos de tijeras", y finalmente, le dio una vuelta de tuerca a su gusto por el humor macabro con "Sweeney Todd, el diabólico barbero de la calle Fleet" (2007), donde experimentó con buenos resultados en el musical, con esta adaptación de un obra de Broadway.

La sensibilidad de Burton se aprecia madura en sus temas habituales, donde ya no resulta tan insistente su gusto por demostrar su cinefilia oscura y retorcida, y está más abierto a nuevas variantes, como el género musical. Sus próximos proyectos, "Frankenweenie", una nueva versión del cortometraje que creó en 1984 y que Disney no estrenó en su momento por considerarlo inadecuado para el público infantil, y "Alicia en el país de las maravillas", los rodará en tres dimensiones, detalles que probarán cómo luego de superada su fama de artista anclado en una infancia eterna, Tim Burton podrá abrirse a nuevas variantes.

Jorge Lettelier
Diario La Tercera, Chile, lunes 25 de agosto de 2008.
Producción especial de imágenes: http://especiales.latercera.cl/especiales/2008/burton/index.htm
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La Selección Argentina de Fútbol se consagró bicampeona olímpica en Pekín 2008. Acá algunas de las mejores fotos publicadas sobre el partido final contra Nigeria.

Para más información: La Caldera del Diablo.






























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El 29 de julio de 1885 nació Theda Bara, una de las primeras vampiresas de Hollywood.


Además, Theodossia Burr Goodman fue la primera estrella con una personalidad creada por el departamento de prensa de un estudio cinematográfico: aunque había nacido en Cincinnati; sus padres eran judíos, y su nombre artístico era producto del acortamiento tanto de su primer nombre como de Baranger, su apellido materno, se la presentó como nacida en Egipto, producto de los amores clandestinos de una princesa árabe y un escultor italiano. De hecho, se aseguraba que Theda Bara era el anagrama de arab death ( la muerte árabe).

Aunque empezó muy joven representando pequeños papeles, a los 30 años le llegó la oportunidad de su vida, con el papel de mujer fatal rompedora de hogares en A Fool There Was ( Un tonto hubo, 1915), que la situó como pionera de la galería de vampiresas del cine.

Precisamente, su personaje en esa película muda se conoce como La Vampiresa, apelativo que después la prensa acortaría a vamp para describir conductas femeninas similares.
Otro hito de esa película, según los expertos, es que Theda Bara dice por primera vez una de las frases más usadas en el séptimo arte: Bésame, tonto .


Lo curioso es que, a consecuencia de esta personalidad comehombres que se le creó, con algo místico y algo de ocultismo, junto con los papeles de destrozahogares y cosas por el estilo, varias veces sufrió desplantes públicos. Cierta vez, una madre la denunció a un policía porque la vio conversando con su pequeño hijo. Hasta podían no atenderla en los restaurantes.

Paradójicamente, fuera de los sets de filmación era una mujer tímida y nada engreída.

Se casó con un cineasta y, aunque llegó a escribir algún guión, se apartó, a su pesar, del mainstream hollywoodense. Su última película, Madame Mystery ( Madame Misterio , 1926), la hizo a las órdenes de Stan Laurel, El Flaco .

Murió en 1955 de cáncer estomacal. Así se definió alguna vez: "Tengo la cara de un vampiro, pero el corazón de una feminista".

Luis Ini
La Nación, 29 de agosto de 2008

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María Vaner falleció hoy, lunes 21 de julio, en Buenos Aires. Iniciada en los filmes "El secuestrador" y "En la ardiente oscuridad", fue musa luego de la mítica Generación del '60.

María Vaner y Osvaldo Terranova en "Prisioneros de una noche",
de David José Kohon


Protagonizó "Los jovenes viejos", "Tres veces Ana", y tuvo actuaciónes especiales en "Dar la cara" y "El bote, el río y la gente".

En teatro fue Doña Inés en una recordada versión de "Don Juan Tenorio" (F. Blanco) y junto a Raúl Rossi estrenó "El último de los amantes ardientes", de Neil Simon (Ateneo).

Dueña de una gran fotogenia, también incursionó como cantante.

Sus constantes desniveles anímicos la mantuvieron alejada en los último años del medio artistico.

Roberto Blanco Pazos
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Los Piratas fueron acaso la banda gallega de mayor proyección y sin dudas una de las más interesantes del rock&pop español. Separados hace un par de años su cantante, Iván Ferreriro, acaba de lanzar su tercer disco solista, "Mentiroso mentiroso".


Los Piratas surgieron en la década del '90, eran oriundos de Vigo, Galicia, y con un rock por momentos potente, muchas veces bajo el sonido "alternativo" y otras mezclado con el pop de guitarras y sintetizadores lograron un sonido que los identificó claramente en la música española. Su cantante, Iván Ferreiro, con un timbre de voz particular y un carisma determinante al frente del escenario, era con su cabeza calva al principio de los años, imposible de no identificar.

Aunque pocos sabían quiénes eran, dos veces actuaron en la Argentina, siempre traídos por los conciertos "Rock en Ñ". Primero fueron teloneros de Enrique Bunbury en El Teatro y luego fue un show gratuito en el auditorio de Costanera Sur, poco antes de su separación, que se produjo a principio de 2004.

Llegaron a editar cinco discos de estudio: "Quiero hacerte gritar" (1993); "Poligamia" (1995); "Manual para los fieles" (1997); "Ultrasónica" (2001); y "Relax" (2003). Para quienes quieran iniciarse, hay dos recopilatorios con temas en vivo y rarezas que valen la pena: "Fin (de la primera parte)" (1999) y "Fin (de la segunda parte)" (2004). Canciones como "Promesas que no valen nada", "Mi coco" o "Años 80" son claves en la historia del grupo.

Luego de la separación, sus integrantes comenzaron a tomar cada uno su rumbo, pero como se sabe, la voz es siempre un sello que se sigue más que un riff, y es así como empezó a forjar su carrera solista Iván Ferreiro. Primero fue el turno de "Canciones para el tiempo y la distancia" (2005), luego el EP "Las siete y media" (2006) y ahora llega el turno de "Mentiroso mentiroso" (2008), su mejor trabajo en esta nueva etapa.



El video de "Mentiroso mentiroso"
El disco, que días antes de su salida a la venta pudo descargarse gratuitamente del sitio en internet del cantante, está compuesto de 16 canciones cortas, en donde sólo una supera los cuatro minutos y dos de ellas no llegan a los dos. Comienza con un prototipo de hit, "Toda la verdad", que desmiente en principio su título, para luego despacharse, casi en simultáneo, con "Mentiroso mentiroso", corte difusión con una letra preciosa y un video a tono, protagonizado por el actor Oscar Jaenada haciendo de Ferreiro. Con sonidos de theremin, algo de piano, cuerdas nítidas y las modulaciones clásicas de la voz de Iván Ferreiro, es una especie de cantante alla Gainsbourg, con algunos toques de Bunbury y un final inconcluso.


Otros temas que destacan son "Jet lag", con su pegadizo sonido lounge; "Meteoro y el señor conejo", un bello valsecito de sólo un minuto y 21 segundos; y "Rocco Sigfredi", dedicada quizás al más grande (en todo sentido) de los pornostars. Con un ritmo lento, la canción más extensa del CD es delicada, profunda y conmovedora. "Rocco Sigfredi es siempre otro", señala, con esa G de más agregada al apellido que honra, y finalizan los últimos versos con: "Un aplauso americano / poco a poco va empezando, / el rock es siempre lo mejor. / El corredor de fondo sabe, / el tiempo es sólo una ilusión, / y algunas veces la jugó..."

No sabemos si vamos a tener la oportunidad de verlo en vivo en Buenos Aires, pero al menos el disco es un buen consuelo para ir conociendo y apreciando a este gallego ilustre, y dejarse llevar por sus mentiras, y por los sonidos que propone.

Para saber más: http://www.ivanferreiro.com/

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"Nosotros no hacemos films para morir, sino para vivir, para vivir mejor. Y si se nos va la vida en ello, vendrán otros que continuarán..." (Raymundo Gleyzer, 1974)


El 27 de Mayo de 1976 es secuestrado y desaparecido Raymundo Gleyzer, cineasta documentalista y militante revolucionario. Hoy se conmemora en su honor el día del documentalista.

A los 20 años Gleyzer decide dejar la Facultad de Ciencias Económicas y solicita la inscripción en la de cine en La Plata. Tras pasar por la Escuela Superior de cine de la Universidad Nacional de La Plata, comienza con sus primeros trabajos. En 1964 filma "La tierra quema", documental que narra la miseria de los campesinos en el noroeste de Brasil. Ese mismo año realiza también "El ciclo".

A partir de 1965 se abre un nuevo período marcado por su trabajo en noticieros (Canal 7, y Telenoche-Canal 13, ambos de Buenos Aires). Fue el primer camarógrafo argentino que filmó en Malvinas, desde donde produjo una serie documental sobre vida cotidiana en las islas, para Telenoche, en 1966. Igualmente, fue el primero en enviar informes filmicos y reportajes sobre el trabajo en la zafra del azúcar en Cuba, para emisión en la Televisión argentina en 1970.

En su búsqueda personal, este tipo de trabajos terminará con una película propia "México, la Revolución congelada" en el año 1970. A nivel personal se incrementa su formación como marxista y su alejamiento definitivo del Partido Comunista. Gleyzer comienza entonces con su militancia en el PRT (Partido Revolucionario de los Trabajadores). Casado con Juana Sapire, tuvieron un hijo, Diego.

En 1973, filma su obra cumbre: "Los traidores". En ella, se narra la historia de un sindicalista que pasa de ser un delegado que se preocupaba por la suerte de sus trabajadores a un burócrata de derecha que termina siendo el vocero de los intereses de la patrona, a partir de su excelente capacidad para la negociación como para la simulación. El personaje al que hace referencia Gleyzer es a José Ignacio Rucci, secretario general de la CGT en aquella época y miembro de la ultra-derecha peronista, y lo pinta con su bigote y el Torino blanco característico.

Gleyzer fue un artista incansable que buscó mostrar al mundo los terribles flagelos con los que viven los habitantes de América Latina. Fundó el grupo "Cine de la Base", que organiza y proyecta sus films en barrios, escuelas, universidades y fábricas. Sus películas, que a menudo tenían que ser filmadas y estrenadas clandestinamente, lo pusieron en las miras de la Alianza Anticomunista Argentina, la "triple A" ideada por José López Rega y el propio Rucci, durante la presidencia de María Estela Martínez de Perón, Isabelita. En 1976 realiza un viaje a Nueva York por trabajo, la filmación se demora y Raymundo decide volver a la Argentina. Debido a su obra militante y comprometida, fue secuestrado y desaparecido por la dictadura militar que había derrocado al gobierno peronista de Isabelita, el secuestro ocurrió en la puerta del Sindicato Cinematográfico Argentino (SICA) y permanece desaparecido hasta hoy.
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Te encontraré ayer
Dramaturgia y dirección: Francisco Lumerman.
Intérpretes: Manuela Amosa, Dana Basso, Nicolás Ortiz de Elguea, Lisandro Penelas, Marcelo Pozzi y Ana Scannapieco.
Diseño de escenografía: Carlos Coccia.
Diseño de arte y de vestuario: Enaguas.
Diseño de iluminación: Paula Grandio.
Asistente de escena Daniel Crespo Narbona.
Asistente de dirección: Lucila Garay.
En Anfitrión, Venezuela 3340. Viernes, a las 23.
Duración: 60 minutos.
Nuestra opinión: buena.

Lisandro Penelas compone un obsesivo Jeremías,
alrededor de quien gira toda la narración

Saber que Te encontraré ayer fue escrita por Francisco Lumerman, el mismo que escribió y dirigió De cómo duermen los hermanos Moretti , es ciertamente alentador. Más aún si se suma el dato que la pieza que está en escena en el Anfitrión recibió el primer premio en el concurso de dramaturgia Germán Rozenmacher, en el último Festival Internacional de Buenos Aires. Es así que el espectador ya se predispone bien para recibir esta historia que de entrada no más se presenta disparatada y así, desde el mismísimo comienzo, Lumerman se empieza a despegar de sí mismo. Es que a diferencia de lo que hizo en su texto anterior, en el que la risa es producto de los oscuros y enrarecidos vínculos entre seis hermanos, aquí Lumerman le da mucho mayor peso a un humor liso y llano -muy bien planteado y llevado a cabo- que sí se cuela también entre situaciones por demás patéticas, pero de ninguna manera oscuras.

El trasfondo de la historia que tiene a Jeremías -un obsesivo estudiante de física- como protagonista, habla de relaciones familiares en las que el diálogo se parece más a sucesivos monólogos en paralelo.

Alrededor de Jeremías transcurren las vidas de Humberto, un amigo enamorado de Deborah, su hermana, que está enamorada de todos menos de Humberto. También están madre y padre que se miran sin verse, hablan sin escucharse. El mundo desbordado de Jeremías -siempre en medio de un incomprensible experimento científico- transcurre en un caos que toma sentido cuando su padre muere. Su obsesión y su dolor hacen que dirija todas sus fuerzas a crear el mecanismo necesario para volver el tiempo atrás... hasta que lo logra.

Lumerman se hizo de un buen elenco para llevar a cabo su narración, que está bien escrita y muy bien jugada en escena. Cada uno de los actores le saca provecho a su personaje, y si bien no tienen -salvo el protagónico- un perfil profundamente definido, son lo suficientemente atractivos como para que el espectador disfrute de ellos. En un conjunto por demás parejo y rendidor, se destaca el Jeremías de Lisandro Penelas y sorprende el crecimiento actoral de Ana Scannapieco, que interpreta a su novia y que es quien se lleva las más frescas y sinceras carcajadas.

La puesta es coherente al planteo desprolijo de la mente del protagonista, sólo molesta un poco la pantalla a la que se tuvo que echar mano para resolver unos off iniciales y finales en la narración.

Verónica Pagés
Diario La Nación, viernes 16 de mayo de 2008
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Finalmente, la Argentina podrá disponer de dominios que incluyan la letra Ñ en internet, según anunció el canciller Jorge Taiana, cartera que regula los dominios en nuestro país. También se incorporan los acentos, la diéresis y cambia el .gov por .gob.


Según asegura la Cancillería Argentina, la introducción de caracteres del alfabeto castellano a los dominios .ar servirán para "fortalecer el uso de nuestro idioma, defender nuestra identidad iberoamericana y fortalecer al MERCOSUR".

En una buena medida que cuida nuestra lengua, desde ahora podrán registrarse páginas que incluyan la letra ñ, la diéresis y los acentos en castellano y portugués, así como el uso de la cedilla.

Al mismo tiempo, los dominios .gov.ar pasarán a ser .gob.ar, reemplazando al antiguo, originario del término inglés "goverment".

Según cálculos recientes, en Argentina, hay 1,7 millones de dominios de Internet, y cada año se crean unos 150.000 más. Mientras, el número de internautas asciende a 14 millones.

Gustavo Soliño, asesor de la Cancillería en temas informáticos, comentó que [los dominios] "son una cantidad sorprendente, si se lo compara con los dominios registrados en Brasil (1.100.000) y México (250.000), países que superan la población argentina".
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“Fueron muchos años sufriendo el exilio, por favor, le pido públicamente al titular del Comfer que arbitre las medidas para evitar que se siga envenenando a esta sociedad.” La frase del ex diputado justicialista Lorenzo Pepe no apunta a evitar que Cecilia Pando o algún defensor de Luis Patti haga uso de los medios para relativizar crímenes notorios. El legislador montó en cólera por el contenido de un capítulo de Los Simpson en el que, en el bar de Moe, dos borrachines sostienen el siguiente diálogo:

–Me gustaría una dictadura militar como la de Juan Perón. Cuando él te desaparecía, tú te mantenías desaparecido –dice Carl.

–¡Además, su esposa era Madonna! –retruca Lenny.


Es cierto, se trata de una barrabasada. De dos barrabasadas, para ser más exactos, pronunciadas por dos ebrios y basadas en una lectura más cercana a la payasesca ópera rock Evita que a los fascículos de José Pablo Feinmann en Página/12. Pero lo que el pedido de censura (porque de eso se trata) al Comité Federal de Radiodifusión no contempla es el contexto: una serie animada, no un libro o un documental de historia, en la que suelen pronunciarse 6 o 7 bestialidades en cada bloque, en el plano político, social, económico o el ámbito que se desee. Una de las razones de la vigencia de Los Simpson es precisamente ese salvajismo, ese permanente torcimiento de lo correcto, ese... humor. Como suele decirse de los peronistas, los Simpson son incorregibles: no parece sensato convertir un chiste, con inexactitud histórica (podría acotarse que la Triple A empezó a operar bajo un gobierno peronista, pero es difícil que los guionistas hayan pensado en tales sutilezas) pero un chiste al fin, en una cuestión de vida o muerte, en alusiones al veneno social y pedidos de censura. No deja de ser paradójico, además, que alguien hable de los años sufriendo el exilio para pedir una medida propia de esa clase de gobiernos que fabrican exiliados.

Se puede tomar a la creación de Matt Groening simplemente como lo que es, un programa humorístico que se ha reído, se ríe y se reirá de todo aquello supuestamente intocable: presidentes y papas, estrellas de rock y figuras de la ecología, profesores y padres de familia, instituciones, emblemas, símbolos y banderas. O se puede pedir que la tijera de Tato se vuelva a aceitar, llamar a Servini de Cubría para que aplique el ludibrio y la eutrapelia, pedir en el recinto legislativo una declaración contra la intromisión yanqui en la política argentina o –como le sucedió hace años a Daniel Paz por un dibujo de Perón y Evita en el Suplemento NO– exigir una retractación, un acto de desagravio. Aquellos que no tienen atrofiado el sentido del humor preferirán tomarse una cervecita en lo de Moe. Ni yanquis ni marxistas: simpsonistas.

Eduardo Fabregat
Diario Página/12, martes 15 de abril de 2008
Más en http://eduardofabregat.blogspot.com/

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Ya lo cantaba Pity: "Esta vez es en serio, algo se prende fuego". Toda la ciudad de Buenos Aires, y zonas aledañas, están desde hace días bajo un humo molesto producto de incendios en pastizales del delta del río Paraná.


Luego del video de Intoxicados haciendo "Fuego", fotos de la ciudad envuelta en el humo que molesta e irrita gargantas y ojos.

Como hecho curioso, otra cosa que también irrita es cuando se habla de "la quema de pastizales" en vez de llamarlo "incendio". Cuando se usa el otro término me suena a un eufemismo, o simplemente a que "alguien quiso quemar unos pastitos para hacerse la casita en un lotecito", y lo que hay es un incendio enorme de más de 60.000 hectáreas.

Por otro lado, hay muy pocas imágenes (fotos, videos) de los lugares que están bajo el fuego, como si se tratara de una cuestión que no se puede mostrar. En los foros de algunos diarios muchos se han hecho eco de esta "curiosidad" que se da en los medios.

Y lo último, que tampoco se menciona mucho, es la cantidad de días que lleva este incendio, cuyo humo comenzó a afectar esta mañana a Montevideo, y lo poco que se sabe de las tareas por extinguirlo.

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