Nido de caranchos: 2007

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Hace un tiempo que Radiohead sacudió el avispero del mercado discográfico mundial al finalizar su contrato con EMI y negarse a firmar con otra compañía, a pesar de las millonarias ofertas que les acercaban. Con disco nuevo bajo el brazo, producido por Nigel Godrich, la banda decidió ofrecer "In rainbows" en internet al precio que el interesado estuviera dispuesto a pagar.

Radiohead en el estudio

¿Cuánto pensás que vale? es lo que se les ocurrió al quinteto. Y el precio fue de cero a 212 dólares. El riesgo era grande, ya que era la primera vez que lo adoptaba un grupo de estas características, con siete álbumes y 16 años de carrera, que cuando sale de gira llena estadios donde toque.

Según uno de sus managers, Chris Hufford, se trató de una versión virtual del "a la gorra". El líder de Radiohead, Thom Yorke, señaló a The New York Times que la movida le pareció buena. "Fue una manera de dejar que la gente juzgue por sí misma."

Luego de la ruptura con EMI, para el cantante "era duro hacer otra cosa. El peor escenario hubiera sido firmar otro contrato, agarrar un montón de dinero y luego tener a toda la maquinaria esperando, semipacientemente, para que le envíes tu producto, que ellos así podrían sumar a la lista de productos que componen el gran mito, la-la-la-la... Eso nos hubiera matado en el acto -agrega-. El dinero te adormece, como escribió M.I.A. Quiero decir, es tentador tener a alguien que te diga «no tendrás que preocuparte nunca más por el dinero», pero no importa cuánta plata te den, ¿acaso no te la vas a gastar?, ¿no vas a encontrar maneras estúpidas de deshacerte de ella? Por supuesto que sí. Es como construir rutas y esperar que haya menos tráfico".

Thom Yorke

Internet es desde ahce tiempo un lugar donde la música circula, en forma gratuita o paga, legal e ilegalmente. Así, cuando Radiohead probó sus canciones en público, sabía que serían pirateadas inmediatamente. "La primera vez que hicimos «All I Need», pum, al toque estaba en YouTube -dice Yorke-. Me parece fantástico. En el momento que terminás algo, estás excitado y orgulloso con lo que hiciste y querés que alguien lo escuche, y ahora eso es fácil. Está bien, porque como es por un teléfono o por una cámara de video, es una grabación medio trucha, pero el espíritu de la canción está, y eso está bueno. En ese estado de las cosas, es de lo único de lo que tenés que preocuparte."

La banda y sus managers no han revelado ni cuántas bajadas hubo ni cuál fue el precio promedio. Y posiblemente no lo hagan nunca. Según datos estimados por la empresa ComScore, aseguró que las tres quintas partes de quienes bajaron el álbum lo hicieron gratis, mientras que el resto pagó alrededor de 6 dólares. Si se incluyen los gratis, el promedio sería de 2,26 dólares. Aunque la banda negó esas cifras, y no se especifica el total de bajadas, se dice que "un significativo porcentaje" del 1.200.000 personas que visitaron el sito de Radiohead bajaron el álbum.

Si tenemos en cuenta que un contrato discográfico típico le otorgaría a la banda regalías de aproximadamente el 15 % del precio al por mayor luego de descontados los gastos, esa cifra de algo más de dos dólares sería muy ventajosa. Sobre todo teniendo en cuenta que la banda sólo sacó un comunicado a través de su sitio el 1º de octubre.

"Mucha gente eligió pagar -dice Hufford en la nota del Times, publicada en Argentina por La Nación-, es como que eligieron ser parte de esto. Si es bueno, la gente va a poner su moneda en la canasta. Pero dudo de que funcione otra vez si quisiéramos repetirlo."

Actualmente, el disco ya no puede bajarse del sitio http://www.radiohead.com/, y saldrá a la venta de forma tradicional en disquerías. La edición argentina, de Sum Records, está anunciada para el 31 de diciembre.

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En la primera fecha del Personal Fest, poco antes del retrasado show de Snoop Dog, que cerraría la jornada, un joven fue acuchillado entre medio de un tumulto sin conocerse demasiado los motivos, cosa que tampoco debería ser causal de intrigas, sino que lo que debería saberse son dos cosas: la primera, por supuesto, cómo logró ingresar un arma en un concierto que se supone súper vigilado, y estrictamente controlado. La segunda, de una gravedad similar a la anterior, ¿por qué la noticia no tuvo la difusión merecida y la mayoría de los medios de comunicación se dedicaron a obviarla o a relatarla de manera soslayada?
Luego de Cromagnon, crecieron de manera exhorbitante estos eventos multitudinarios. No hay ya lugares pequeños, no hay bandas que se autoproduzcan -ya sea por costos, o por no querer correr con los riesgos que implica hacerse cargo de la seguridad de los shows-, ni hay público con ganas de ir a lugares que aparentemente ofrecen menos garantías que los inmensamente marketineados.
El megafestival es, para la gente de los ringtones y las "comunicaciones", un simple evento publicitario con intenciones de posicionar la marca y sus productos. Lejos están todas las demás cuestiones románticas que quieran verse: el espíritu del rock, el sentimiento de respeto, admiración o curiosidad por las bandas, la comunidad que se genera alrededor de la música, etc.
En estos espectáculos, donde debe primar una especie de zapping de actividades donde nadie termina haciendo ni viendo ni escuchando nada, donde se intenta dar la sensación de ser una gran guardería para adultos-adolescentes, hubo un hecho que supuestamente está fuera de su órbita, su ámbito.
Y en cuanto se enteraron lo más probable, como señalan muchos blogs, medios independientes que se hicieron eco de la noticia, hecharon mano a toda su parafernalia publicitaria. Creemos que ningún festival de los realizados en el año tuvo tanta promoción como este. Ni siquiera el Pepsi Music, porque si de última lo comparamos aquel duró diez días, y este sólo dos.
Lo que resulta increíble, entonces, es como los grandes medios de comunicación, amparados en las cuentas que la compañía depositó y depositará en sus campañas, ocultaron, o no dijeron nada acerca del incidente ocurrido el sábado 7 en el Club Ciudad de Buenos Aires.
Puede observarse interesantes seguimientos del caso en los blogs del periodista Eduardo Fabregat y en Personal Fest Desastre.
¡Un ringtone a la derecha!

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"Demoré 20 años en venir a la Argentina porque estuve en bandas en las que mis compañeros no querían salir de gira, así que tuve que hacerlo solo...", dijo Chris Cornell luego de los primeros temas, viejos recuerdos de su gran banda, Soundgarden, con la que saltó a la fama, y que disolvió para formar más tarde Audioslave, junto a los ex Rage Against the Machine.
Sin guitarra al hombro salvo una acústica para un tema, Cornell sólo se dedicó a cantar y a llenar el escenario con su presencia, de un lado al otro, mostrando la voz intacta, con sus agudos característicos.

Chris, de saco en Buenos Aires

Cornell saldó la deuda que el "triunvirato de Seattle" tenía con la Argentina. Nirvana vino en pleno éxito, y en 1992 llenaba Vélez con un Cobain ofuscado. Pearl Jam recién arribó hace un par de años a un Ferro que lo ovacionó y festejó plenamente. Soundgarden no llegó "vivo" hasta estos días, pero Cornell se dedicó a revivirlo con su repertorio, sabiendo que su visita a Buenos Aires era muy esperada. Por eso se brindó por completo al público en un show que duró casi dos horas.
El concierto abrió con "Let me drown", tema apertura de "Superunknown" (1994), el disco más emblemático de Soundgarden, todo un gesto para esos fans ansiosos que se vieron beneficiados por una lista de temas amplia y consecuente con esa espera.

La noche siguió con canciones de toda su carrera, incluyendo también al disco "Badmotorfinger" (1991), otro fundamental de Soundgarden. Luego pasaron los más recientes de Audioslave, y hasta sorprendió con "Hunger strike", single que cantaba a duo con Eddie Vedder, en la banda que rindió tributo a Mother Love Bone y su desaparecido cantante, Andrew Wood, Temple of the dog. Entremezclados, algunos pocos temas solistas, sobre todo de su último trabajo, "Carry on" (2007), pero también un par de "Euphoria morning" (1999).
La banda sonó muy potente, y Cornell los entusiasmó a que no se limiten a ser acompañamiento del solista, sino que sean parte del show, con sus solos (el de batería, impecable) y riffs de guitarras. "Un aplauso para mis nuevos amigos", pidió promediando el espectáculo, y saludaron los cinco abrazados como una banda de veinte años de carrera.
Gracias, totales.

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Palabras más, palabras menos, fueron las que usó Rodolfo Páez, que es Fito, cuando en el Personal Fest los sonidos que venían de los demás escenarios saturaban su piano.
Se veía venir, porque por un momento toda esa superposición de grupos al mismo tiempo, a pocos metros de distancia unos de los otros, tenía que traer consigo sus problemas.

El Personal Fest podría definirse como una batahola de gente de un lado para el otro, carpas donde se podía conseguir desde que te tiraran las cartas hasta comida china, remeras o hacerse un tatuaje, lugares para navegar por internet, para bajarse cositas a los celulares, y cinco escenarios con una gran cantidad de artistas superponiéndose unos con otros. Parecido a los otros festivales, pero un poco peor.
Es difícil que a uno le guste todo lo que hay, y hasta es difícil conocer a todos los que están. También a medida que pasa el tiempo uno se da cuenta de que se mete en un zapping de bandas, y se torna difícil también (por la superposición que comentábamos, por aburrimiento o simplemente porque el rock se está convirtiendo en un ring tone) ver un show completo...
Sonaron muy bien Los Cafres, pésimo Ed Motta y Fito Páez, a la pasada, en el escenario que justo enfrentaba al principal, y mientras Fito se quejaba con su piano tocaron los Happy Mondays, con una mezcla de rock y electrónica que hicieron la espera por Chris Cornell muy interesante.

Bez, animando las maracas y Shaun, cerveza en mano

Del grupo original hubo mutaciones. De lo que se vio en Buenos Aires, uno de ellos (Shaun Ryder), cantaba con look sindicalista: campera de cuero negra, cerrada, jean negro y chicle en la boca. Sin moverse de su lugar, sin decir casi palabras, así estuvo todo el tiempo. El segundo "integrante" al frente del grupo (Bez) era un personaje que sólo se dedicó a pasearse bailando por la pasarela que emergía al centro del escenario, saltando y arengando a la gente, tomando de una botella, regalando su ropa y gritando, entre tema y tema y cuando lo dejaban, cosas como "fuck the police" al micrófono.

Rowetta

El tercero "oficial" de la banda es Gary Whelan, que viene de la primera formación. Y decimos eso porque si bien figura como corista, Rowetta Satchell es mucho más que eso, tomando la parte carismática del escenario, cantando en muchas canciones, y siendo quien iba al frente cuando el sindicalista Ryder permanecía junto a la batería. Si Rowenta llega a tener un físico acorde a su maravillosa onda, haría la fiesta de muchos ratones.
¿El rock? ¡Un ringtone a la derecha!

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Antonio Birabent acaba de editar su décimo disco en catorce años de carrera, "Demoliciones". Lamentablemente, quizás sean muchos los que se sorprenden de tamaña producción dentro de nuestro medio, y más aun cuando vencen los prejuicios y se encuentran con una carrera llena de bonitas canciones.

"Demoliciones", que sigue cronológicamente a "Tiempo y espacio" (2005), atraviesa distintos estados: el rock potente, el blues y la canción íntima, sin dejar de lado la impronta urbana y porteña que Birabent le ha dado a toda su carrera, cantándole a Buenos Aires desde el amor y la confesión que todo ser querido inspira.

Está presente en el espíritu del disco la melancolía por aquello que ha desaparecido, el dolor por lo que puede hacerlo e incluso esa sensación de pena por no haber vivido aquello que se añora, siempre inasible, y por ende inevitablemente nostálgico.

No es casual, entonces, que Birabent rescate para este disco el sello "Sitios laterales", con el que había publicado "Azar" (1998).

El camino de la independencia no va en desmedro de una cuidada producción (compartida por su guitarrista, Roberto Garcilazo, y el propio Birabent), lo cual hace que se necesiten varias escuchas para poder apreciar su estilo y musicalidad, tanto en los momentos de banda como en aquellos en donde los arreglos de cuerdas, armónicas y vientos invitan a cerrar los ojos e imaginar paisajes sonoros.

Como ya está declarado desde el disco "Buenos Aires" (2003), el amor por "la otra orilla" se hace nuevamente presente, y Montevideo también tiene su espacio. Es imposible, para todos los que conocen la capital uruguaya, no asentir cuando en “Demoliciones” se habla de las ráfagas que vienen desde la rambla, a la altura de la mesa en la ventana del Café Brasilero. “Corrimos, corrimos cuando llegaron las demoliciones. / Pero nos escapamos por las calles que resbalan al puerto. / Las demoliciones nos asustaron. /Pero ahí estaba tu memoria para recibirnos.”

El libro interior del disco, además de destacarse por su arte, trae invalorable información sobre cada letra, su origen y los motivos que llevaron a escribirla. Así se refuerza el sentido del diálogo entre las canciones, pero también entre el músico y quien escucha.
"Guitarras rotas" es el corte difusión del disco. Escrita originalmente sobre un libro de fotografías de Horacio Coppola, hace pensar en esos “pulmones de manzana” que permiten respirar a las ciudades y quienes habitan en ellas. “Cuerdas con ropa cuelgan del cuerpo abierto de las guitarras rotas. / En el medio: medianeras, aire y luz, respiración visual. / Es tan fácil respirar sobre la caja de resonancia, de la ciudad.”

Video de "Guitarras rotas", corte difusión de "Demoliciones"

Otros puntos altos del disco son “El fuego que está por venir”, recuerdo de serranías y montañas; “El sueño de la ciudad”, ese hermoso momento que anticipa la lluvia de la tarde (“Al final se levantó el viento de tormenta. / Con el último sol sobre las casas”); “En el camino”, canción del peatón que podría ser el cierre de un “lado A”; y "Barrenando", que a medida que transcurre se va convirtiendo de a poco en un blues de guitarra con slide.

"Puñaladas de espera” cierra la parte más rockera con un potente estribillo: “Casi nadie acepta la espera, ni la oscilación pasajera. / Solamente hay urgencia y una euforia tan mal entendida. / Y por eso los amantes se van.” Luego, dos canciones se hermanan: “La emergencia nos rodea” y "Viejo barrio".

La primera nos hace meditar sobre los tiempos que corren, sin el lugar común ni la obviedad remarcada: “La emergencia nos rodea. / Nos condiciona, está en el aire. / Se ilumina, es un espejo. Refleja los pensamientos. / Las hélices y el viento mueven los aires y los desaires. / Los malos y los buenos aires.”

Por último, siguiendo la línea de todos los discos de Birabent, el álbum se despide y se va dejándonos en calma, con cosas para pensar y con ganas de volver a comenzar. “Viejo barrio que te vas, te doy mi último adios”, son los primeros versos de "Adios mi barrio", canción montevideana que sufre por la reovación del Barrio Sur. Un graffiti dio la inspiración para que Birabent continúe esos versos con los suyos: “Ya nadie más atenderá los viejos bares. / Y hay acentos que jamás volveremos a escuchar. / Si esto es la modernidad ahora mismo me quiero bajar / y mandarme a mudar lejos, muy lejos.” Por último, cuando suenan los últimos acordes junto al trombón, oímos “¿Quién vendrá a reemplazar a las personas que se van?”, último rumor de quien sabe que no hay respuesta a esa pregunta que se desvanece en sí misma, pero piensa que quizás hay tiempo para evitar más demoliciones. De edificios, de personas, de sonidos.

Mas información: http://www.birabent.com.ar/
Sonidos: www.myspace.com/soyantoniobirabent
Videos: www.youtube.com/antoniobirabent

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La presentación oficial de “Demoliciones”, el último disco de Antonio Birabent, se llevó a cabo el miércoles 21 de noviembre en La Trastienda Club.

A sala llena, el público acompañó cada momento del show, que comenzó con un Birabent de camisa, corbata y anteojos oscuros, solo con su guitarra y un termo con un mate que fue tomando a lo largo de los primeros temas que interpretó de esa manera.

Así comenzó un show que pasaría por distintos climas, gracias a una generosa lista de temas armada de manera tal que en ningún momento decayera la atracción por lo que se escuchaba y se veía. Es difícil conformar a todos cuando se cuenta con tantas canciones grabadas…

El momento acústico, con toda la gente en silencio, quizás sorprendidos o desprevenidos, de a poco se fue "electrizando" a medida que se iban incorporando de a uno los integrantes de la banda que desde hace a años acompañan a Birabent: Roberto Gracilazo en guitarra, Alejandro Carrillo en bajo y Luciano Casanova en batería.

"Puñaladas de espera" y "Ciudad de pobre corazones"

Con la solidez y potencia que transmitían los cuatro en el escenario sonaron "Puñaladas de espera", "En el camino" y “Guitarras rotas”, tres excelentes nuevos temas.

Casi todo “Demoliciones” fue tocado en vivo, y la gente recibió las nuevas canciones con entusiasmo y atención, dedicándole el respeto que cada tema merecía.

Es lógico, de todas formas, que "Bienvenida seas" haya sido el estallido más grande del público. “Algún día aplaudirán así las nuevas, es cuestión de tiempo”, señalaba un locuaz Birabent que dialogó con el público y hasta convidó mates a la platea.

Entre los “regalos”, se incluyeron la enérgica versión de “Ciudad de pobres corazones”, de Fito Páez, una coda de “Fue”, de Soda Stereo, incluida en la sección acústica, sobre el final de “Princesa oriental”, y “Desconfío”, de Pappo, tocada también con guitarra solamente, pero sin micrófono ni amplificadores, en momento de los bises.

Hubo además una linda selección de canciones provenientes de “Azar” (1998) y “Anatomía” (2000), dos hermosos discos llenos de momentos de intimidad que hacía mucho no sonaban en vivo.

El final, como en el disco, fue con “Viejo barrio”, brillante despedida que cerró una noche ideal en La Trastienda.